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L’utilisation des photographies de plateau de Roger Corbeau comme objets de promotion des films: étude de cas du film Orphée

Par Aurore Galy et Valentin Cayrou

Introduction

Les images détiennent depuis toujours un rôle décisif dans la promotion d’œuvres audiovisuelles. Elles interagissent avec le film et contribuent à la formation de son identité dans l’espace public tout en pouvant être individuellement perçues comme des œuvres d’art. Roger Corbeau est l’un des photographes de plateau français les plus connus et son travail, plus particulièrement sur le film Orphée de Jean Cocteau, permet de mettre en avant ces deux aspects du métier de la photographie de plateau.

Traditionnellement, ce métier a pour but de capturer les scènes marquantes d’un film. Le photographe de plateau n’intervient pas directement dans la fabrication ou la mise en scène de ce dernier. Il se doit d’être discret et travaille après la prise de vue afin de remettre en scènes les moments les plus importants du tournage. Il travaille en étroite collaboration avec le réalisateur et peut recevoir l’aide des équipes techniques dans le but de recréer une atmosphère spécifique, au travers des lumières par exemple. Les photographies qu’il “crée” sont essentielles car les images directement tirées du film ne sont pas d’une qualité suffisamment bonne pour être adaptées et utilisées pour la promotion du film. Ce sont donc les images du photographe de plateau qui seront retravaillées et diffusées. On peut les retrouver à divers endroits, de l’affiche du film à la devanture de la salle de cinéma. Ce travail se faisant dans l’ombre, le métier de photographe de plateau est un métier peu reconnu même si quelques figures se sont démarquées au cours de l’Histoire, comme ce fut le cas de Roger Corbeau.

Né en 1908 à Haguenau en Alsace et mort en 1995 à Paris, il a travaillé durant sa longue carrière sur pas moins de 160 films en tant que photographe de plateau. Passionné très tôt par le cinéma, il travaille d’abord en tant qu’amateur avant d’être repéré par Marcel Pagnol, qui s’extasie sur la qualité des images que le jeune photographe propose. Corbeau aura une carrière très prolifique et, grâce à la qualité de son travail, collaborera avec de grands réalisateurs tels qu’Abel Gance, Jean Cocteau ou même Orson Welles. Avec Cocteau, il travaille sur deux films, Les Parents terribles (1948) ainsi que le célèbre Orphée (1950).

Corbeau ne s’inscrit pas dans l’Histoire comme un photographe de plateau traditionnel. Il a tendance à travailler de son côté sans forcément consulter le réalisateur ou le directeur de la photographie. Par exemple, après le tournage d’une scène, il prend le temps avec les acteurs pour réaliser ses propres clichés et n’hésite pas à modifier les éclairages, repositionner les comédiens voire même à modifier le décor. Il capte toujours l’ambiance du film mais ne sacrifie jamais ni son style ni sa vision. Ce sont là deux aspects marquants de son travail qui permettent d’identifier sa patte artistique au fil de ses projets.

Travaillant presque essentiellement en noir et blanc, il aborde la photographie de plateau d’une manière très esthétique. Son art se traduit par des photos dramatiques dans lesquelles l’intensité des jeux de lumières et d’ombres créent de forts contrastes permettant de mettre en valeur les visages des stars. Il ne cherche pas à reproduire exactement les scènes, il préfère en effet interpréter le film à sa manière. Les vedettes le fascinent, comme en témoigne l’intérêt particulier qu’il développe et entretient au fil des années pour les portraits et les acteurs. Il dira d’ailleurs par lui-même « Effectivement, il me faut toujours un comédien, car il est mon moteur. C’est lui qui communique la vie à une photo ». Lorsqu’il prend ses photos, il impose son oeil et fait longuement poser les comédiens devant sa caméra. Ces derniers se prêtent facilement au jeu : non seulement les images serviront à la promotion du film, mais elles les mettent aussi en valeur. Elles font ressortir certains traits de leur personnalité et permettent de les lier dans la mémoire du public à leurs grands rôles. Certains acteurs, comme Jean Marais, auront par la suite un contrat avec Corbeau afin que celui-ci les accompagne sur leurs différents tournages.

Inspiré d’un mythe, le film Orphée de Jean Cocteau se révèle être un terrain idéal pour aborder non seulement le style de Corbeau mais aussi l’utilisation de ses images dans la commercialisation du film. Les archives de la Cinémathèque française à Paris regorgent de nombreuses photographies de plateau prises par Corbeau. Il est intéressant de noter comment ces images servent non seulement à créer l’identité visuelle du film dans l’espace public mais aussi à marquer sa propre approche artistique du métier de photographe de plateau. Son approche se définit avant tout par sa manière d’aborder le film. Bien qu’il en capture les moments importants, il n’hésite pas à les aborder sous un angle légèrement différent ou à réagencer les acteurs sur l’image. Ses photos diffèrent des photogrammes directement issus du film mais sont toutefois celles qui seront le plus visible du public. Son but n’est pas de copier le film mais bien de se l’approprier afin de mieux le vendre.

Fig.1 : Photogramme du film OrphéeCinémathèque Française
(Photo personnelle prise lors d’une visite à l’Iconothèque)
Fig. 2 : Maria Casarès, Photographie de plateau Orphée© Donation Roger Corbeau, Ministère de la Culture (France), Médiathèque du patrimoine et de la photographie, diffusion GrandPalaisRmn Photo

Il n’hésite pas à mettre en scène les acteurs afin de créer des images desquelles s’échappe une narration et porte une attention toute particulière au fait de mettre les stars en avant. Avec lui, les visages sont toujours marqués et facilement reconnaissables. Les images créées par Corbeau intriguent également par leur gravité. Il accentue, comme dans la photo suivante, les visages de Jean Marais et de Marie Déa en répétant leurs visages par deux fois sur l’image. Le titre du film est lui aussi présent sur le magazine, marquant la volonté promotionnelle de son travail. Jean Marais étant le personnage principal du film, c’est pourquoi il est mis en avant au premier plan. Ce dernier arbore un visage fermé tout en ayant un regard fort face au spectateur. Cette image témoigne parfaitement de l’intérêt que le photographe Roger Corbeau porte pour les stars de films puisqu’il crée leur image. Sa mise en scène est ici très réussie car elle a pour but de capturer l’attention du public.

Fig. 3 : Orphée, Photographie de plateau (https://www.unifrance.org/film/1690/orphee)

Pour capter l’intérêt des spectateurs, de nombreuses images seront publiées sous forme de « lobby card ». Leur nom provenant de leur localisation dans le hall des cinémas, ce sont de petites affichettes, souvent par lots de huit, qui servent à la promotion d’un film, chacune comportant une photographie de plateau. Ces dernières sont accrochées aux devantures des cinémas ou dans le hall. Elles favorisent ainsi un contact plus direct avec les spectateurs. De nombreuses images dans la collection de la Cinémathèque française témoignent de telles pratiques. Imprimées sur des papiers légèrement cartonnés, on distingue dans chaque coin les marques de poinçons qui servaient à les faire tenir.

Fig. 4 : Orphée, Lobby Card, Cinémathèque française

Une bande blanche en bas de l’image sert quant à elle à indiquer les informations importantes : le titre, le réalisateur, le producteur. Une fois de plus, les images utilisées reflètent le style dramatique de Corbeau, par de forts contrastes, et mettent en scène le film et ses acteurs. Aussi, un aspect mystérieux, renforcé par le style du photographe, permet de capturer l’attention d’un potentiel public.

Cependant, les images de Corbeau ne se limitent pas aux lobby cards et sont aussi utilisées dans les différents posters du film. S’il fut un temps où les affiches étaient réalisées uniquement au dessin, la photographie s’est vite imposée comme essentielle dans la pratique et ce sont donc naturellement les photographies de plateau qui furent utilisées. Dans le cadre d’Orphée, de nombreux posters reprennent les images de Corbeau et les adaptent au niveau et au format des affiches. Elles sont souvent colorisées (pour devenir plus attrayantes) ou rendues plus “graphiques”. Certaines affiches utilisent des techniques de collage et la plupart, du moins dans la collection de la Cinémathèque française, comportent un assemblage de plusieurs photos de Corbeau. C’est par exemple le cas du poster disponible ici dans lequel deux images de Corbeau sont “adaptées” sur l’affiche.

Fig. 5 : Orphée, photographie de plateau

Fig. 6 : Orphée, Affiche 15

Ces deux images sont utilisées dans les lobby cards mais aussi dans les posters. Ce choix n’est pas anodin : la première affiche, avec Jean Marais et Maria Casarès, permet de mettre en avant le portrait des deux stars du film. Déjà connus à l’époque, c’est un élément marketing efficace pour attirer le public en salle. De plus, l’atmosphère dramatique est déjà capturée et retranscrite grâce à leurs regards et leurs expressions. La dramaturgie de la narration d’Orphée est d’autant plus renforcée par la seconde image reprenant la lobby card précédemment mentionnée. La scène d’action ici représentée dévoile une partie de l’intrigue tout en restant évasive, captivant ainsi le spectateur, qui désire dès lors en savoir plus. Le nom de Corbeau ne figure pas sur les affiches même s’il apparaît parfois au dos des lobby cards. Les photographes de plateau, dans l’ombre, ne sont généralement pas mentionnés lors de l’utilisation des images.

Conclusion

La photographie de plateau, comme le démontre le travail de Roger Corbeau sur le film de Cocteau, est donc un élément essentiel de la promotion ainsi que de la diffusion d’un film. Toutefois, comme le travail sur Orphée le laisse percevoir, Corbeau se détache de la fonction traditionnelle du photographe de plateau car ses images, en plus d’être des moyens de commercialisation, évoluent grâce à son style particulier et son intérêt pour le portrait comme des œuvres à part entières. Elles se font écho entre elles et forment une identité autour du film. Le style de Corbeau se démarque, dépassant les attentes que son métier impose traditionnellement. Roger Corbeau ne vend pas que le film, il vend aussi les acteurs ainsi que la qualité de son travail. Certaines de ses photos seront par la suite publiées dans des livres dédiés à son travail marquant ainsi sa légitimité en tant qu’artiste.

Bibliographie

  • Archives de la Cinémathèque Française de Paris
  • BOONE, Daniel, « Roger Corbeau : Tableaux Vivants », Les Cahiers du Cinéma, n° 52, octobre 1983
  • CHALLINE, Eléonore, GAUTHIER, Christophe, MORRISSEY, Priska, et al., « Introduction. Le cinéma par ses photographies », Photographica 7, p.11-14 URL : https://journals.openedition.org/photographica/1417 (Consulté le 06.01.2025)
  • CORBEAU, Roger, Corbeau : L’œil Noir du Cinéma Français, Paris, Éditions Assouline, 1995.
  • CORBEAU, Roger, Entretien avec Roger Corbeau, URL :http://www.judaisme-alsalor.fr/perso/artistes/corbeau/interv.htm  (Consulté le 04.01.2025)
  • CORBEAU, Roger, Roger Corbeau, Portraits de cinéma, Paris, éditions du Regard, 1982.
  • MARTIN, Anaïs, Le photographe de plateau, du technicien à l’artiste : Roger Corbeau (1908-1995), Thèse, dir. M. Delporte, 2009.
  • Piazzo, Philippe, « Entretien : Roger Corbeau, un technicien admiratif », Jeune Cinéma, n°210, septembre-octobre 1991.
  • SARIC Alexandra, SITOLEUX Alix, La photographie de plateau, Hypothèse, mis en ligne le 01 Janvier 2024, URL : https://histpubcine.hypotheses.org/ (Consulté le 29.12.2024)
  • STAMLER, Hannah , « Before Movie Previews, There were Lobby Cards», Humanities, Vol.44, N°1. URL: https://www.neh.gov/article/movie-previews-there-were-lobby-cards (Consulté le 31.12.2024)
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La Planète Sauvage (1973) : Héritage, Esthétique et Résonance Contemporaines à travers sa réédition

Par Noam Afonso

Introduction

La Planète Sauvage est un film sorti en 1973 réalisé par René Laloux et Roland Topor. Le long métrage d’animation franco tchécoslovaque obtient le prix spécial du jury au Festival de Cannes la même année. Sur la planète Ygam, les “Oms”, sont réduits à l’état de bêtes par les Draags, des géantes créatures bleues. Un Om nommé Terr développe la même connaissance que les Draags et
entraîne une révolution entre les deux peuples. Pour ses 50 ans, le film connaît une restauration en 4K à partir du négatif original et de
l’interpositif pour certaines séquences, par Eclair et le Groupe Ymagis pour l’image et L.E. Diapason pour le son. L’éditeur du blu-ray est Potemkine Films et il est distribué par la société Arcadès. Un coffret collector en édition limitée à 500 exemplaires est commercialisé avec, en plus du Blu-Ray, un ouvrage de 232 pages : L’odyssée de La Planète Sauvage aux éditions Capricci, écrit par Fabrice Blin et Xavier Kawa-Topor. Le coffret contient également une affiche du film. Le Blu-Ray contient en bonus un documentaire sur René Laloux, un entretien avec Fabrice Blin, spécialiste du réalisateur, une émission autour du film et trois courts métrages de
René Laloux. Avec cette réédition pour célébrer l’anniversaire de ce film, on est amené à se demander en quoi la version restaurée de La Planète Sauvage permet de redécouvrir ce film tout en offrant une
nouvelle lecture de son héritage, de son esthétique et de ses résonances contemporaines ? Pour ce faire, il serait intéressant de s’intéresser à la réédition et ses enjeux, dans un second temps, on
étudiera l’héritage cinématographique que le film a pu laisser et comment il est revitalisé aujourd’hui et, pour finir, on analysera l’impact visuel et l’importance de rééditer un film comme
celui-ci.

La réédition : Une occasion de redécouvrir un film culte

Les enjeux de la réédition à travers ses ajouts et bonus

La réédition propose une immersion analytique et spécialiste qui permet de mieux appréhender l’héritage du film tout en renouvelant l’intérêt d’un public contemporain. Les bonus inclus enrichissent la compréhension de l’impact culturel et des enjeux de cette redécouverte. Le documentaire Laloux Sauvage (2003) dresse un portrait de René Laloux, offrant une vision intime de son parcours et de son rapport au cinéma d’animation. L’entretien approfondi avec Fabrice Blin (2023), spécialiste de René Laloux, apporte un regard
actuel et éclairé sur l’œuvre. En analysant sa résonance culturelle et politique, Blin repositionne La Planète Sauvage dans une perspective contemporaine, soulignant sa pertinence renouvelée face aux enjeux actuels. La réédition propose également trois courts-métrages essentiels de René Laloux : Les Dents du Singe, Les Temps Morts et Les Escargots. Elles permettent de mesurer l’évolution artistique du
réalisateur et d’apprécier ses expérimentations narratives et visuelles. Ces œuvres, bien que moins connues, rappellent l’importance d’une animation poétique et engagée, souvent en rupture
avec les normes de son époque. Ces ajouts témoignent de la volonté de la réédition d’inscrire La Planète Sauvage dans une
histoire plus large, celle d’un cinéma novateur et intemporel. Ils offrent aux spectateurs d’aujourd’hui les clés pour redécouvrir un film patrimonial mais actuel. L’ouvrage écrit pour les 50 ans du film permet également de raconter tout le long et laborieux processus de création de Laloux et Topor pour faire paraître un film d’animation en France en allant jusqu’à la Tchécoslovaquie pour le réaliser.

La réception publique et critique de la réédition

Quand le film est projeté pour la première fois au Premiers Plans – Angers Film Festival. Fabrice Blin et Xavier Kawa-Topor parlent de faire découvrir le film à une nouvelle génération. Dans la salle, 90% des personnes présentes le voyaient pour la première fois. Il y a un enjeu de faire découvrir le film à un nouveau public et de l’ancrer dans le cinéma d’animation actuel comme une référence de tous ces successeurs.

Un héritage cinématographique

La mise en place de l’influence de La planète sauvage sur le cinéma d’animation

La Planète Sauvage se distingue par sa technique singulière de papier découpé en phases, choisie par René Laloux pour Roland Topor. Ce parti pris, loin d’être un simple procédé artisanal, rompt avec les standards de l’époque dominés par les studios Disney et leur animation fluide et lisse. Le papier découpé en phases donne un rythme volontairement saccadé avec par dessus une volonté de Topor de laisser les hachures de ses illustrations car il préfère distinguer le dessin de la réalité. Tout cela contribue à une esthétique surréaliste qui sert parfaitement l’univers déroutant du film.3 En Europe, des réalisateurs comme Michael Dudok de Wit avec son film La Tortue rouge, Florence Miailhe ou Jérémie Périn revendiquent son influence.

La redécouverte de ses thématiques universelle

Le caractère visuellement avant-gardiste et philosophique de La Planète Sauvage a marqué durablement le cinéma d’animation notamment au Japon où il est un exemple pour les réalisateurs les plus connus là-bas. Dans Nausicaä de la vallée du vent (1984) ou Le Voyage de Chihiro (2001), on reconnaît une sensibilité similaire pour des mondes vastes, allégoriques, où le rapport entre l’homme et la nature prend une dimension critique.

Esthétique et modernité: l’impact de l’animation artisanale

Une nouvelle appréciation de l’animation artisanale

Avec la réédition, les avancées technologiques permettent de restaurer La Planète Sauvage dans une qualité visuelle et sonore optimisée. Elle met en lumière la richesse graphique des dessins de Roland Topor et la singularité de l’animation en papier découpé en phases. La réédition respecte l’essence originelle du film et ne coupe ou ne rajoute pas de séquence. Elle donne au film une esthétique plus visible et actuelle tout en gardant la patte surréaliste et impressionniste de Topor comme nous pouvons le voir entre ces deux différents plans :

L’esthétique sonore mise en avant

La réédition souligne l’importance du paysage sonore de La Planète Sauvage et sa capacité à posséder sa propre extension.Goraguer signe une bande-son atypique : un jazz fusion hybride mêlé d’effets expérimentaux. La guitare wah-wah et les sonorités étranges donnent une dimension hypnotique au film. La bande sonore du film a également le droit à sa réédition en CD, indépendante du film édité par Decca qui fait partie du Universal Music Group.

Elle reste une source d’inspiration pour les musiques actuelles. On observe des échos de la bande originale d’Alain Goraguer dans des genres comme la musique électronique, et le hip-hop notamment où elle est souvent samplée. Les compositions d’ Alain Goraguer répertorient plus de 170 sons sur le site https://www.whosampled.com/ avec des reprises en France comme aux Etats-Unis chez les artistes les plus influents notamment. On peut citer :

  • Mac Miller : Insomniak qui reprend Ten et Tiwa dorment
  • Hocus Pocus : Légende qui reprend Conseil des Draags
  • Big Pun : Boomerang qui reprend Le Bracelet

Conclusion

La réédition de La Planète Sauvage propose une redécouverte qui met en lumière les enjeux esthétiques, culturels et politiques d’un film pionnier grâce à sa restauration et ses bonus. Cette édition permet à un public contemporain de saisir toute la modernité et la pertinence intemporelle de l’œuvre de René Laloux et Roland Topor. Alors que l’accessibilité numérique des films a facilité leur diffusion et consommation, le marché des rééditions physiques semble offrir une forme de résistance, une manière de redonner du prestige à des œuvres oubliées. L’édition collector, avec ses bonus et objets tangibles, interroge notre rapport à la mémoire du cinéma, à l’archive et à la possession d’un film. La réédition de La Planète Sauvage interroge donc : pourquoi cette nostalgie du format physique et de l’objet collector dans un monde de plus en plus dématérialisé ?

Bibliographie

  • Blin, F., Topor, R., Moebius & Caza, P. (2005). Les mondes fantastiques de René Laloux : avec des témoignages de Topor, Moebius, Caza. Le Pythagore
  • Blin, F. et Kawa-Topor, X. L’Odyssée de La Planète Sauvage (2023). Capricci.

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Les photographies de plateau de Roger Corbeau dans Les sorcières de Salem de Raymond Rouleau.

Par Chloé Brambilla et Chahinaze Toprak

“Ce que j’ai ressenti personnellement comme un grand moment, c’est le tournage des Sorcières de Salem. C’est un film dans lequel je me suis senti “habité” tous les jours, pour les scènes comme pour les portraits. Il y avait un climat de concentration imposé par Raymond Rouleau, et bien sûr, Simone Signoret qui ne pouvait qu’exalter le talent, la sensibilité de l’équipe. Il y a eu là, je pense, une convergence entre le film, mon univers, et une maîtrise de moi-même. Mais je l’ai réalisé bien des années plus tard…” confie Roger
Corbeau, le photographe de plateau de ce film, lors d’une interview pour la revue Jeune Cinéma. 1

Effectivement, si Roger Corbeau semble atteindre un aboutissement esthétique avec Les Sorcières de Salem c’est parce que le photographe entretient une cohérence rare avec ce film. En effet, contrairement à la définition du photographe de plateau proposée par le CNC :

“À travers ses clichés, le photographe de plateau a la difficile mission de traduire en images l’esprit et l’histoire du film, en donnant également un aperçu des coulisses du tournage. Mais il doit avant tout trouver un équilibre entre vision artistique et marketing : ses images doivent témoigner de sa vision personnelle du tournage tout en respectant celle du réalisateur et celle de la production qui utilisera ces clichés pour le dossier de presse, et dans certains cas pour l’affiche.[…]”

Roger Corbeau a pour habitude d’apporter sa propre vision du film, différant alors avec celles des cinéastes avec qui il collabore. Par exemple, pour La femme et le pantin de Julien Duvivier, contrairement au film et à l’affiche qui insistaient sur l’image de la femme provocatrice, Roger Corbeau préfère faire ressortir paradoxalement la vulnérabilité et la chasteté du personnage.

Affiche d’Yves Thos de 1958 imprimée APR, Paris : Affiches Gaillard 63×43 cm

2 Photographie de plateau de Brigitte Bardot pour le film La Femme et le Pantin (1959) de Julien Duvivier

Or, Les Sorcières de Salem semble faire figure d’exception, car ses photographies s’inscrivent pleinement dans l’univers du film. En effet, les thèmes sombres du film – l’adultère, le mensonge, la condamnation à mort, la cruauté et implicitement le
maccarthysme – correspondent pleinement à ses obsessions artistiques. L’intrigue, centrée sur la vengeance de la servante Abigail Williams envers sa maîtresse Elizabeth Proctor, permet à Corbeau d’exprimer toute la puissance dramatique de ses compositions. Son style est héritier de diverses traditions esthétiques comme le Baroque, le roman gothique, le glamour hollywoodien et l’expressionnisme allemand. Roger Corbeau, semble privilégier les zones d’ombre des personnages et du monde. Ses photographies se caractérisent par des portraits en contre-plongée ou en plongée, fragmentés, assez rapprochés, flous, granuleux, avec de forts contrastes, renforçant la dualité des êtres. Ses compositions mettent souvent en scène des acteurs aux expressions marquées – regards horrifiés, mesquins, déboussolés- derrière un arrière-plan très vide ayant pour seul élément de décor un objet très évocateur comme un lampadaire, une chaîne, une statue, une bougie, une peinture. D’autre part, une impression d’immobilité et d’inquiétante étrangeté se dégagent des images, figeant les acteurs, comme des statuts. Cette impression d’immobilité est notamment dû au fait qu’ils consacraient des heures à une photographie, hors tournage, contrairement aux photographes de plateau plus formels qui prenaient leur photographie sur le vif ou juste après la prise d’une scène tout en essayant de ne pas déranger le tournage du film.

Sur ses photographies, les personnages sont placés, le décor est méticuleusement choisi, les visages sont graves. La silhouette de Simone Signoret se découpe du décor à travers sa longue cape, d’un noir presque total, contrastant avec la blancheur immaculée de son visage. Elle semble regarder au loin, une menace qui l’accable, ou son destin tragique. De même, sur ce portrait, Yves Montand semble regarder cette même menace et seule la moitié de son visage n’échappe pas à l’obscurité ce qui correspond parfaitement avec le côté obscur que renferme le personnage -qu’il incarne- de John, l’homme qui a commis l’adultère.

Mi-sorcières, mi-saintes, mi-sirènes, ces quatres jeunes filles ressemblent à des créatures sorties de la mer, leur regard glacial rivé sur l’objectif, engage très fortement le spectateur. Et ces deux jeunes filles, semblent par le décor, à savoir l’arbre, le cadre en contre-plongée, leur posture et leur cape, être un monstre, voire une araignée, un crabe à deux têtes aux multiples pattes.

Ces photographies font ainsi merveilleusement ressortir la monstruosité qui se dégage des personnages durant ce film. Pour preuve, nous savons que les deux dernières photos ont été utilisées pour la promotion du film, par les photos d’exploitations, dites aussi les Lobby Cards. Toutefois, les affiches originales des films ont relativement peu utilisé les photos de Corbeau, préférant notamment montrer davantage les acteurs, leur visage, leur relation, le triangle amoureux, ou jouer avec des dessins abstraits, ou la couleur. En cela, elles représentent peut-être moins bien l’univers du film.

Une promotion qui met en valeur sa photographie

Les affiches Argentine, Danoise et Française présentent des similitudes flagrantes. Nous avons nos trois acteurs principaux : Yves Montand, Simone Signoret et Mylène Demongeot. Elles espèrent ainsi donner envie aux spectateurs par la renommée des acteurs et le sujet de l’adultère ou du triangle amoureux. L’affiche Argentine, se contente de reprendre une affiche française tout en changeant un peu les couleurs. L’affiche Danoise, plus représentative par son noir et blanc, la reprend également, mais approfondit la forme pyramidale par sa construction et ajoute la corde, donnant à l’histoire un côté plus sombre. Enfin, cette affiche française insiste sur l’expressivité des acteurs avec ces trois gros plans. Pour ces trois affiches, seulement les photos d’Abigail (Mylène Demongeot) de Corbeau ont été reprises.

Las Brujas de Salem, Raymond Rouleau, Affiche Argentine,
70×100 cm

Heksejagt, Raymond Rouleau. Affiche Danoise 60x80cm

Les Sorcières de Salem, Raymond Rouleau. Affiche Française

En ce qui concerne la promotion italienne, l’affiche est très particulière, l’affichiste a fait le choix de reprendre la photographie de Corbeau des sorcières, en la colorant et en y incorporant des sombreros, semblant alors déplacer le film au Mexique. Cela révèle la difficulté de ce métier, les affichistes avaient très peu de temps pour réaliser leur création, et souvent ils avaient peu d’informations sur le film ou ne le regardaient pas. Donnant au final une image erronée du film. Le distributeur italien Euro International film, en plus de l’affiche, avait aussi distribué aux cinémas italiens la même photographie de plateau de Corbeau pour un format lobby card, Cette fois-ci il s’agit de la véritable version sans les retouches de l’affichiste (chapeaux et la couleur).

Le Vergini di Salem (1959), Raymond Rouleau. distribué par Euro International Film. Affiche italienne.
Lobby Card, Le Vergini Di Salem (1959)

La promotion allemande et polonaise

Enfin, cette affiche allemande et cette affiche polonaise choisissent de ne pas utiliser les photographies de Corbeau mais de dessiner leur esthétique nationale propre. L’allemande semble s’inspirer de l’expressionnisme, renvoyant par ailleurs à l’univers des vampires. L’affiche polonaise renvoie directement à l’esthétique de l’École polonaise d’affiche (Polska Szkoła Plakatu), un mouvement artistique qui a émergé en Pologne après la Seconde guerre mondiale, distinctive par son mélange surréaliste, symboliste et son abstraction.

Die Hexen Von Salem, Affiche allemande de Thomas Schallnau 81,5 x 57,5 cm

Czarownice Z Salem, Affiche polonaise de Roman Cieslewicz 81 x 69,2 cm

Ainsi, le splendide travail de Roger Corbeau a été assez peu utilisé, ou bien quelque peu mutilé par les affichistes, préférant leur esthétique nationale, les intérêts prétendus des spectateurs, à
savoir l’adultère et le triangle amoureux et ou devant faire face au manque de moyens et de renseignements . Toutefois, la récente affiche promotionnelle (et couverture du DVD) créée avec la restauration du film en 2016 (numérisation 4K et restauration 2K) par pathé à Bologne semble rendre grâce aux photographies de Corbeau. A vrai dire, comme l’attestent cette affiche ou les
livres photographiques sortis sur l’œuvre de Corbeau, ces photographies, faisant écho aux images-concept d’aujourd’hui s’accordent plus dans les usages et les préférences des spectateurs contemporains.

Les Sorcières de Salem. Raymond Rouleau. affiche française Pathé pour la version restaurée.

Bibliographie

  • Corbeau : l’œil noir du cinéma français, Roger Corbeau ; préface de Pierre Borhan. Paris : Éditions Assouline, 1995.
  • Portraits de cinéma, Roger Corbeau ; textes de Michèle Morgan, Claude Chabrol, Jean Marais. Paris : Éditions du Regard, 1982.
  • Spectacles de la scène à l’écran : Jacques-Henri Lartigue – Thérèse Le Prat – André Kertész…, Mission du Patrimoine photographique de Paris. Paris : Marval, Ministère de la Culture, 1994.
  • Entretien avec Roger Corbeau : “Rêver le cinéma”, Philippe Piazzo. Jeune Cinéma, 1991.

Sitographie

Filmographie

  • ROULEAU, Raymond, Les Sorcières de Salem, 1957, Films Borderie, CICC, Pathé Cinéma et DEFA.
  • DUVIVIER, Julien, La femme et le pantin, 1959, Pathé

Iconographie

  • CORBEAU, Roger, Les Sorcières de Salem, photographies de plateau, 39 tirages, n. et b. ; 24 cm x 30 cm et moins, Référence : PO0030500, 1956. Cinémathèque française.
  1. Revue Jeune Cinéma 210 septembre octobre de 1991, “entretien avec Roger Corbeau” sous titre : “rêver le cinéma” par Philippe Piazzo ↩︎